Fuck the discourse: Las apropiaciones visuales en la industria de la música electrónica.

Fuck the discourse: Las apropiaciones visuales en la industria de la música electrónica.

Abi Velázquez

@kabivelaro / 03959@escueladediseno.edu.mx

RESUMEN

Cabe especificar que no pretendo argumentar mediante las imágenes de

contraste que posteriormente mostraré que los diseñadores de a cargo recurrieron

específicamente a la apropiación como solución, pero cobra sentido en tanto que

el resultado 1) tienen una carga simbólica detrás, 2) forman parte de la memoria

colectiva y 3) al apropiarse el diseñador de las características formales de x

imagen se lleva consigo parte de esa carga simbólica. Entonces, hasta este

momento han surgido, conceptos importantes, algunos mencionados que

pertenecen al sentido simbólico de las imágenes: Construcción – reconstrucción,

trabajo y revolución, son solo algunos de éstos y serán retomados hacia el final.

Cabe hacer un paréntesis antes de entrar a nuestro eje central para aclarar que a

partir de la década de los 00’s, con el boom del internet y la relativa facilidad que

éste proporcionó para distribuir imágenes y música, la industria buscó nuevos

motivos de los cuales apropiarse y podríamos decir que aprovechando la

oportunidad también encontró nuevos soportes para mostrarlos, tal y como

veremos a continuación.

Abordaremos imágenes que, en mi opinión, sintetizan varias de las

premisas principales.Como breve ejemplo, el factor común es el puño levantado,

nuestra representación más lejana temporalmente es el cartel del Partido

Comunista de Catalunya, elaborado por el artista español Rafel Tona alrededor de

1936, donde podemos ver una serie de brazos derechos con el puño levantado

rematados con la bandera comunista al fondo, la segunda representación es la

portada del álbum “Push The Button” del dueto The Chemical Brothers (2005)

donde ya solo aparece un puño derecho y finalmente la portada correspondiente al

sencillo Put Em Up de W&W (2017) donde ahora vemos un brazo izquierdo con el

puño levantado y al fondo una masa anónima con el brazo izquierdo levantado.

En este ejemplo podemos ver que a pesar de la tergiversación y

simplificación de la apropiación, el vínculo entre el puño levantado y la bandera

comunista que nos remite a conceptos como: revolución o protesta pervive como

aquel sentido intrínseco del símbolo que es independiente del sujeto apropiador.

#Música #Cultura #EDM #Fenómeno #ApropiaciónVisual #Industria #Entretenimiento #Mainstream #EfectoEnMasa #Viral

INTRODUCCIÓN

Hace unos días México fue testigo de un momento importante para la industria de

la música electrónica, pudimos presenciar, tanto al mundo de música como a la

Ciudad de México, el regreso de la Swedish House Mafia un grupo sueco de

música House, conformado por Axwell, Steve Angello y Sebastian Ingrosso. El 25

de marzo de 2018, el grupo se unió con un cierre sorpresa en el 20 aniversario del

Ultra Music Festival en Miami, anunciado así el término de su separación.

Conversando con personas del medio tanto prensa como público, este hecho fue

tan comentado en redes que uno de los elogios más recurrentes fue sobre los

gráficos y visuales que se usaron para espectáculo de los asistentes, dicho lo

anterior sólo por dar un ejemplo en nuestra actualidad respecto al tema que cabe

resaltar no es única de dicho género musical, algo similar pasó con toda la

producción visual en el 2016 con Rogers Waters y su polémico concierto en el

Zócalo capitalino.

Como diseñadores somos más conscientes de ciertos temas, aspectos y detalles

que el público muchas veces desconoce, al ver este tipo de espectáculo al menos

por curiosidad nos hemos preguntado (infiero) acerca de su procedencia. Quién es

el “creativo” detrás de obras tan majestuosas, muchas veces el diseño de

experiencia tiene tan alto nivel que la pregunta queda en al aire sin respuesta,

hasta que alguien, con buen ojo o con buena memoria para los referentes ya

existentes, se da cuenta que aquello con lo que te estás deleitando se trata de

una apropiación visual.

DESARROLLO

Abordar “la música electrónica” como fenómeno es hablar de distintos procesos

que se han gestado a lo largo de aproximadamente 60 años, cada uno con sus

respectivos contextos y particularidades. Por ello ante la imposibilidad de abordar

este vasto horizonte, me centraré en las apropiaciones visuales de las que se sirve

la industria de la Música Electrónica de Baile, EDM por sus siglas en inglés

(Electronic Dance Music), y el efecto que éstas generan en la masa.

Antes de entrar en materia me parece importante aclarar que el EDM no es

un género musical en sí mismo sino una categoría que, en lo que va de esta

década, ha sintetizado (problemáticamente) la mayoría de los géneros musicales

de la cultura mainstream de la música electrónica. En un artículo de 2015, Thump

(medio internacional dedicado a la música electrónica) nos dice que “lo de hoy no

es ser un erudito o una biblioteca andante del dance simple y sencillamente

porque la música electrónica se hizo para disfrutarla, y bailarla.” Yendo un poco 1

más lejos, Teresa López Castilla en su tesis sobre música electrónica y cultura de

club cataloga a la ‘cultura EDM’ como la fusión de “estilos comerciales dirigidos a

las masas” y que está diseñada como “una inmensa máquina de negocio” . A 2

partir de esto podemos deducir que el fin de esta industria es el entretenimiento y

de éste es que genera las ganancias económicas.

El EDM logra su consolidación dentro del mainstream mediante una

mezcolanza de estilos comerciales atractivos a la vista del consumidor, esto

podemos entenderlo mejor bajo el término “apropiación”. Con respecto a este

concepto, Martha Aideé García puntualiza, en su tesis titulada La apropiación

1 Frank, “También se aprende de música electrónica en los libros” en Thump, 24 de noviembre de 2015, consultado 15 de mayo de 2017, https://thump.vice.com/es_mx/article/tambien-se-aprende-de-musica-electronica-en-los-libros 2 Teresa López Castilla “Música electrónica y cultura de club: un estudio postfeminista de la escena española”, Tesis Doctoral, Universidad de la Rioja, 2015, pp. 63-65.

artística como estrategia discursiva de la publicidad, que la apropiación no se trata

de “un intercambio ordenado y equilibrado entre las partes, sino de la toma de

conceptos, formas y expresiones que fueron desarrollados en un contexto

específico con objetivos determinados, para utilizarlo con un fin totalmente distinto”

a esta definición cabría apuntarle que a pesar de que su fin sea distinto “las ideas 3o las formas poseen un sentido intrínseco, totalmente independiente de su

apropiación” como dice Roger Chartier . Entonces, en el caso del EDM, el fin es la 4

obtención de ganancias económicas a partir del entretenimiento, para ello la

industria se apropia de motivos y características visuales generadas en contextos

específicos y que tienen un sentido detrás que podíamos caracterizar de

a-histórico.

Antes de pasar a lo visual y dejar por un momento lo abstracto, debemos

tener en cuenta que no estamos abordando un fenómeno aislado ni mucho menos

inmediato, ya que en la industria musical las apropiaciones tienen una vasta

tradición y en lo que concierne a nuestro objeto de estudio (EDM) podemos

rastrear estas apropiaciones hasta las últimas tres décadas del siglo pasado

cuando diferentes agrupaciones de música electrónica como Kraftwerk, Depeche

Mode y Pet Shop Boys se sirvieron de las manifestaciones visuales de diferentes

corrientes artísticas e ideológicas para la composición tanto de sus portadas como

de sus videos musicales.

3 Martha Aideé García Melgarejo, “La apropiación artística como estrategia discursiva de la publicidad”, Tesis Doctoral, Centro de cultura Casa Lamm, 2013, p. 102. 4 Roger Chartier, El mundo como representación, Barcelona, Gedisa, 1992, p. 37.

Un efecto de la masificación de la cultura EDM fue que la mayoría de las

piezas musicales salen a la venta individualmente a manera de sencillo, sin

pretender formar parte, en ese momento o posteriormente, de una compilación

discográfica, esto viene a cuenta ya que es un reflejo de la expansión visual de la

música electrónica (ejemplo kraftwerk). Es por ello que para ejemplo seleccioné la

portada de Savages, álbum del grupo estadounidense Breathe Carolina, que nos

permite ver cómo se mantiene la apropiación de la estética soviética, con la

bandera ocupando poco menos del 50% de nuestro campo visual junto a la masa

anónima que va en una misma dirección y el sol al fondo en un “amanecer”, en

éste ejemplo alcanzamos a vislumbrar nuevos conceptos como, manifestación,

oposición y si meditamos un momento en las imágenes hasta el término progreso

nos vendría a la mente

Antes de pasar a hablar sobre el nuevo soporte discursivo del EDM,

podemos, establecer relaciones entre un par de los ejemplos que ya abordamos,

como podemos ver entre la bandera de Savages y la bandera del cartel de Tona,

así como el segundo plano de la la portada de “Put Em Up” y la representación de

la masa en el video de Pet Shop Boys nos permite comprender que los motivos

perviven como parte de una memoria colectiva dentro del movimiento cultural.

El escenario fue resultado de la expansión visual que sufrió la cultura EDM,

al ser éste un soporte mucho más amplio, comparado con las portadas de

álbumes o los videos musicales, permite la inclusión de varios discursos en un

solo espacio.En el siguiente ejemplo podemos ver “Wasteland” uno de los

escenarios del festival de música electrónica Electric Daisy Carnival frente la pieza

titulada “American piss (peace)” del artista español Escif, podemos establecer un

vínculo entre éstas dos a partir de los fragmentos de la estatua de la libertad que

se nos muestran y relacionar el escenario con el sentido subversivo de la pieza

que invita a la deconstrucción simbólica de los grandes monumentos y las

alegorías.

A continuación podemos apreciar con mayor detalle un fragmento del

escenario anterior en el que destaca la fuerte presencia del grafiti sobre casi todas

las superficies, para contrastarlo seleccioné un vagón del metro de Nueva York ya

que fue en ésta ciudad donde en la década de los 90’s ésta contracultura obtuvo

su auge y el fenómeno del grafiti fue visto como una señal de rebeldía.

Nuevamente, de subversión, contra las autoridades estatales. A pesar de que hoy

día se tiene otra percepción sobre ésta técnica, no deja de ser visto como un

medio para mostrar una actitud rebelde ya no solo frente al estado sino ante la

sociedad.

Hasta este punto, a manera de recuento, podemos deducir que los artistas

musicales ya no son los absolutos conformadores de esta cultura del mainstream,

ya que desde hace poco más de una década las disqueras y empresas de eventos

obtuvieron un papel estelar dentro de la cultura EDM. Entonces, aunque un DJ no

sea los suficiente viral por sí mismo como Steve Aoki o David Guetta, sí forma

parte del mainstream y por ende de la cultura EDM por pertenecer, como

acabamos de ver a disqueras como Spinnin’ Records o festivales como Electric

Daisy Carnival.

Tras la enunciación de los fines primarios del EDM y el análisis de las

apropiaciones, tanto de sus antecedentes como de los ejemplos más

contemporáneos, cabe preguntarse: ¿Por qué apropiarse precisamente de los

motivos, las composiciones y de más elementos de estas corrientes que forman

parte de la memoria colectiva y que, por ende, tienen significados, como ya vimos,

intrínsecos y remiten a conceptos particulares como revolución, subversión,

rebeldía, manifestación, oposición y resistencia? Responder “por la simple

visualidad” sería la forma fácil de librarse del problema en el que nos acabamos de

meter. A partir de su texto Cultura y simulacro, Jean Baudrillard respondería algo

como: porque es, precisamente, parte del proceso de simulación ininterrumpida

que contiene la implosión de lo social dentro de la masa.

Ahora en cristiano: para Baudrillard el término simulación implica “fingir

tener aquello que no se tiene” entonces, asimilando lo que hasta éste punto se ha

enunciado y procurando responder a la pregunta anterior: el EDM, como ese

producto dirigido a las masas, se apropia de las corrientes visuales junto con sus

respectivos discursos, ideologías y símbolos de trasfondo para generar en la masa

un sentido de pertenencia y de participación, cuando de lo único que está

formando parte es de una apariencia que a su vez, genera en el espectador una

conformidad la cual anula toda parte activa del que tiene de trasfondo el discurso

visual del cual se están apropiando.

A manera de conclusión quiero recalcar que éste no es un fenómeno

exclusivo de la industria del EDM, otras corrientes musicales del mainstream

adoptan, en distintos niveles, estos mismos discursos visuales para hacer su

producto algo viral. El presente artículo pretendió generar en el lector, conciencia

sobre ¿qué escuchamos? y ¿qué vemos? el EDM no es arte, no es rebeldía, no es

revolución, tampoco resistencia, sí cultura pero del entretenimiento. De la

diversión y el entretenimiento.